Le premier instrument de musique découvert était la flûte en os il y a 35 000 ans, bien que les humains chantaient bien avant cela. Au fil du temps, la compréhension de la façon dont la musique est faite grandit. Bien que vous n'ayez pas besoin de tout comprendre sur la gamme musicale, le rythme, la mélodie et l'harmonie pour créer une œuvre d'art musical, la compréhension de certains concepts vous aidera à mieux apprécier la musique et à faire de meilleures chansons.
Étape
Partie 1 sur 4: Sons, notes et gammes
Étape 1. Comprenez la différence entre « hauteur » et « note »
''''' Ce terme décrit la qualité du son de la musique. Bien que les deux termes soient liés, ils sont utilisés différemment.
- "Pitch" se rapporte à la fréquence basse ou haute du son. Plus la fréquence est élevée, plus la hauteur est élevée. La différence de fréquence entre deux hauteurs est appelée un « intervalle ».
- « Non » est le pas du terrain. La fréquence commune pour les notes entre A et C est de 440 hertz, mais certains orchestres utilisent une norme différente, telle que 443 hertz, pour un son plus clair.
- La plupart des gens peuvent déterminer si une note joue mieux lorsqu'elle est associée à une autre note ou dans une série de notes dans une chanson qu'ils connaissent. C'est ce qu'on appelle le « pas relatif ». Pendant ce temps, peu de gens ont une « hauteur absolue » ou une « hauteur parfaite », qui est la capacité d'identifier une note sans écouter sa référence.
Étape 2. Comprenez la différence entre « timbre » et « ton
""" Ce terme est couramment utilisé pour les instruments de musique.
- « Timbre » est une combinaison des notes principales (fondamentales) et arrière (harmoniques) qui retentissent lorsqu'un instrument de musique joue une note. Lorsque vous grattez un mi grave sur une guitare acoustique, vous entendez non seulement le mi grave, mais aussi les notes supplémentaires qui résultent de cette fréquence de mi grave. La combinaison de ces sons est connue sous le nom d'"harmoniques", et c'est ce qui rend le son d'un instrument de musique différent des autres instruments de musique.
- « Ton » est un terme plus vague. Cela fait référence à l'effet de la combinaison des notes principales et arrière sur l'oreille de l'auditeur, ajoutée par les harmonies aiguës d'une note dans le timbre, résultant en un ton plus léger ou plus aigu. Cependant, s'il est réduit, le ton réduit sera plus doux.
- « Tone » fait également référence à l'intervalle entre deux notes, également appelé trait complet. La moitié de l'intervalle s'appelle un « demi-ton » ou un demi-pas.
Étape 3. Nommez la note
Les notes de musique peuvent être nommées de plusieurs manières. Il existe deux méthodes couramment utilisées dans la plupart des pays occidentaux.
- Noms de lettres: les notes dans une certaine fréquence se voient attribuer des noms de lettres. Dans les pays anglophones et néerlandophones, les notes sont dans l'ordre de A à G. Dans les pays germanophones, "B" est utilisé pour les notes B plates (les touches noires du piano entre A et B), et la lettre "H" est désigné pour le si majeur (touche si blanche du piano).
- Solfège (communément appelé « solfège » ou « sofeo »): Ce système est connu des fans de « The Sound of Music », en ce sens qu'il attribue un nom d'une syllabe à une note, en fonction de sa position sur la gamme. Ce système a été développé par un moine du XIe siècle nommé Guido d'Arezzo en utilisant « ut, re, mi, fa, sol, la, si », tiré de la première ligne de la chanson de saint Jean-Baptiste. Au fil du temps, "ut" a été remplacé par "do", puis "sol" a été remplacé par "so" et "ti" a été remplacé par "si" (certains pays utilisent le nom solfège de la même manière que le système de lettres en occident pays.).
Étape 4. Organisez l'ordre des notes dans la gamme
Une gamme est une séquence d'intervalles entre différentes hauteurs, disposées de sorte que la hauteur la plus élevée soit à une distance de deux fois la fréquence de la hauteur la plus basse. Ce niveau de hauteur est appelé une octave. Voici les échelles courantes:
- La gamme chromatique complète utilise 12 intervalles de demi-pas. Jouer une octave du piano de do à do plus élevé et faire sonner les touches blanches et noires entre les deux, produit une gamme chromatique. Une autre échelle est une forme plus limitée de cette échelle.
- La gamme majeure utilise sept intervalles: le premier et le deuxième sont des pas complets; le troisième est un demi-pas; les quatrième, cinquième et sixième sont des pas complets et le septième des demi-pas. Jouer une octave au piano du do au do aigu en ne faisant sonner que les touches blanches est un exemple de gamme majeure.
- La gamme mineure utilise également sept intervalles. La forme commune est la gamme mineure naturelle. Le premier intervalle est un pas complet, mais le deuxième est un demi-pas, le troisième et le quatrième sont un pas complet, le cinquième est un demi-pas, puis le sixième et le septième sont un pas complet. Jouer une octave au piano du la grave au la la, en ne faisant sonner que les touches blanches est un exemple de gamme mineure.
- La gamme pentatonique utilise cinq intervalles. Le premier intervalle est un pas complet, le suivant trois demi-tons, le troisième et le quatrième sont des pas complets, et le cinquième est trois demi-tons (dans la tonalité de C, les notes utilisées sont C, D, F, G, A, puis retour à C). Vous pouvez également jouer la gamme pentatonique en appuyant simplement sur la touche noire entre Do et Do aigu au piano. La gamme pentatonique est souvent utilisée dans la musique africaine, est-asiatique et amérindienne, ainsi que dans la musique folk/folk.
- La note la plus basse d'une gamme s'appelle la « clé ». Habituellement, la dernière note d'une chanson est la note clé de la chanson; les chansons écrites dans la clé de C se terminent généralement par la clé de C. Les noms de clé dépendent généralement de la zone de l'échelle de jeu de la chanson (majeure ou mineure); lorsque la gamme n'est pas nommée, elle est généralement immédiatement considérée comme une gamme majeure.
Étape 5. Utilisez des objets tranchants et des taupes pour élever et abaisser le ton
Les objets tranchants et les taupes élèvent et abaissent la hauteur d'un demi-pas. Les dièses et les grains de beauté sont très importants lorsque vous jouez des touches autres que le do majeur ou le la mineur afin de maintenir le motif d'intervalle des gammes majeures et mineures correct. Les dièses et les grains de beauté sont écrits sur les lignes musicales dans des signes appelés marques accidentelles.
- Le symbole pointu est généralement écrit avec le symbole de clôture (#), ce qui est utile pour augmenter le ton d'un demi-pas. Dans les tonalités de sol majeur et de mi mineur, le fa est augmenté d'un demi-ton pour devenir un fa dièse.
- Le symbole de la taupe est généralement écrit avec le symbole "b", ce qui est utile pour abaisser la hauteur d'un demi-pas. Dans la tonalité de fa majeur et ré mineur, B est abaissé d'un demi-ton pour devenir une taupe de si.
- Pour faciliter la lecture de la musique, il y a toujours une indication dans les notes musicales pour lesquelles les notes doivent toujours être augmentées ou diminuées dans certaines tonalités. Accidental doit être utilisé pour les notes en dehors de la tonalité majeure ou mineure de la chanson écrite. Ces altérations ne sont utilisées que pour certaines notes avant qu'une ligne verticale ne sépare le rythme.
- Le symbole naturel, qui ressemble à un parallélogramme avec des lignes verticales montant et descendant à partir des deux lignes, est utilisé devant toute note à monter ou à baisser, pour indiquer que la note ne doit pas être placée dans la chanson. Les symboles naturels ne sont jamais affichés dans les symboles clés, mais ils peuvent annuler l'effet croustillant ou taupe du rythme de la chanson.
Partie 2 sur 4: Beats et rythme
Étape 1. Comprenez la différence entre « beat », « rythme » et « tempo
« » » Il existe un lien entre ces termes.
- Beat » fait référence aux battements individuels de la musique. Un battement peut être défini comme une note sonore ou une période de silence appelée pause. Les temps peuvent être divisés en plusieurs notes, ou plusieurs temps peuvent être placés dans des notes simples ou dans des pauses.
- « Rhythm » est une séquence de battements ou de rythmes. Le rythme est déterminé par la façon dont les notes et les pauses sont arrangées dans une chanson.
- « Tempo » fait référence à la vitesse à laquelle une chanson est jouée. Plus le tempo d'une chanson est rapide, plus il y a de battements par minute. "The Blue Danube Waltz" a un tempo lent, tandis que "The Stars and Stripes Forever" a un tempo rapide.
Étape 2. Regroupez les battements en rythmes
Le rythme est une collection de rythmes. Chaque battement a le même nombre de battements. Le nombre de battements par battement est une indication de la musique écrite avec des horodatages, qui ressemblent à des fractions sans la ligne qui décide du numérateur et du dénominateur.
- Le nombre ci-dessus indique le nombre de battements par battement. Les nombres sont généralement 2, 3 ou 4, mais atteignent parfois 6 ou plus.
- Les chiffres ci-dessous indiquent le type de note qui obtient un temps plein. Lorsque le nombre inférieur est 4, la noire (ressemble à un ovale ouvert avec une ligne attachée) obtient un temps plein. Lorsque le nombre ci-dessous est 8, la croche (ressemble à une noire avec le drapeau attaché) obtient un temps plein.
Étape 3. Recherchez les rythmes stressés
Le rythme sera déterminé en fonction du type de battement pressé et non du rythme d'une chanson.
- De nombreuses chansons ont le rythme appuyé sur le premier temps ou au début de la chanson. Les temps restants, ou les temps forts, ne sont pas accentués, bien que dans un morceau à quatre temps, le troisième temps puisse être accentué, mais à un degré moindre que le temps fort. Les battements accentués sont aussi parfois appelés battements forts, tandis que les battements non accentués sont parfois appelés battements faibles.
- Certaines chansons frappent le rythme plutôt qu'au début de la chanson. Ce type d'accentuation est connu sous le nom de syncope, et un battement qui est fortement supprimé est appelé un battement arrière.
Partie 3 sur 4: Mélodie, harmonie et accord
Étape 1. Comprenez la chanson par sa mélodie
« Mélodie » est une série de notes dans une chanson que les gens peuvent entendre clairement, en fonction de la hauteur des notes et du rythme joué.
- La mélodie est composée de diverses phrases qui forment le rythme de la chanson. La phrase peut être répétée tout au long de la mélodie, comme dans le chant de Noël « Deck the Halls », avec les première et deuxième lignes de la chanson utilisant la même séquence de notes.
- La structure d'une chanson mélodique standard est généralement une mélodie pour un couplet et une mélodie correspondante dans le refrain ou le refrain.
Étape 2. Combinez des mélodies et des harmonies
"Harmony" est une note jouée en dehors de la mélodie pour amplifier ou contrecarrer le son. Comme mentionné précédemment, de nombreux instruments à cordes produisent plusieurs notes lorsqu'ils sont grattés; Les notes supplémentaires qui sonnent avec le ton de base sont une forme d'harmonie. L'harmonie peut être obtenue à l'aide d'accords musicaux.
- Les harmonies qui amplifient un son mélodique sont appelées "consonnes". Les notes supplémentaires qui résonnent avec la note de base lorsque les cordes de la guitare sont pincées sont une forme d'harmonie consonante.
- Les harmonies opposées à la mélodie sont appelées « dissonantes ». Des harmonies dissonantes peuvent être créées en jouant des mélodies opposées en même temps, comme lorsque vous chantez « Row Row Row Your Boat » dans un grand cercle, chaque groupe le chantant à un moment différent.
- De nombreuses chansons utilisent la dissonance comme moyen d'exprimer des sentiments agités et conduisent progressivement à une harmonie consonante. Par exemple, dans la chanson "Row Row Row Your Boat" ci-dessus, lorsque chaque groupe chante le dernier couplet, la chanson devient plus calme jusqu'à ce que le dernier groupe chante la partie lyrique "Life is but a dream".
Étape 3. Empilez les notes pour générer des accords
Un accord est formé lorsque trois notes ou plus sont jouées, généralement en même temps, mais pas toujours de cette façon.
- Les accords utilisés le plus souvent sont des accords (qui sont composés de trois notes) avec chaque note successive étant deux notes plus hautes que la note précédente. Dans un accord de do majeur, les notes qu'il contient sont C (comme base de l'accord), E (troisième majeur) et G (cinquième majeur). Dans les accords de Do mineur, E est remplacé par un E dièse (troisième mineur).
- Un autre accord fréquemment utilisé est la septième (7e), avec l'ajout d'une quatrième note à la triade, qui est la septième note de la note de base. L'accord C Major 7 ajoute un B à la triade C-E-G pour former la séquence C-E-G-B. L'accord de septième sonne plus dissonant que la triade.
- Il est possible d'utiliser un accord différent pour chaque note d'un morceau; C'est ce qui crée une harmonie de style quatuor de barbier. Cependant, les accords sont généralement associés aux notes qu'ils contiennent, par exemple en jouant un accord de do majeur pour accompagner la note de mi dans une mélodie.
- De nombreuses chansons sont jouées avec seulement trois accords, les accords de base sur la gamme étant le premier, le quatrième et le cinquième. Cet accord est représenté par les chiffres romains I, IV et V. Dans la tonalité de do majeur, ce serait do majeur, fa majeur et sol majeur. Parfois, l'accord de septième est remplacé par un accord V majeur ou mineur, donc lorsque vous jouez C majeur, l'accord V deviendra G majeur 7.
- Les accords I, IV et V sont interconnectés entre les touches. L'accord de fa majeur est l'accord IV dans la tonalité de do majeur, l'accord de do majeur est l'accord de V dans la tonalité de fa majeur. L'accord de sol majeur est l'accord de V dans la tonalité de do majeur, mais l'accord de do majeur est l'accord IV dans la tonalité de sol majeur. Les relations entre ces touches se poursuivent dans d'autres accords et sont établies dans un diagramme appelé cercle de quintes.
Partie 4 sur 4: Types d'instruments de musique
Étape 1. Frappez les percussions pour produire de la musique
Les instruments à percussion sont considérés comme les plus anciens instruments de musique. La plupart des percussions sont utilisées pour générer et maintenir le rythme, bien que certaines percussions puissent produire des mélodies ou des harmonies.
- Les instruments à percussion qui produisent un son en faisant vibrer tout le corps sont appelés idiophones. Ce sont des instruments de musique qui sont battus ensemble, tels que des cymbales et des châtaignes, et des instruments de musique qui sont battus avec d'autres instruments tels que des tambours, des triangles et des xylophones.
- Les instruments à percussion avec une « peau » ou une « tête » qui vibre lorsqu'on les frappe sont appelés membranophones. Instruments de musique qui incluent des tambours, tels que des timbales, des tam-tams et des bongos. De même avec les instruments de musique auxquels des cordes ou des bâtons sont attachés et qui vibrent lorsqu'ils sont tirés ou frottés, tels que le rugissement du lion ou la cuica.
Étape 2. Soufflez un instrument à vent pour faire de la musique
Les instruments à vent produisent un son vibrant lorsqu'ils sont soufflés. Il y a généralement de nombreux trous différents pour produire différentes notes, cet instrument est donc adapté pour jouer des mélodies ou des harmonies. Les instruments à vent sont divisés en deux types: les flûtes et les flûtes à anche. La flûte produit du son lorsqu'elle fait vibrer tout son corps, tandis que le tuyau en roseau fait vibrer le matériau à l'intérieur de son corps pour produire du son. Ces deux instruments sont en outre divisés en deux sous-types.
- Une flûte ouverte produit du son en brisant le flux d'air soufflé à l'extrémité de l'instrument. Les flûtes de concert et les flûtes de pan sont des exemples de types de flûtes ouvertes.
- La flûte fermée produit de l'air dans les tuyaux de l'instrument, faisant vibrer l'instrument. Les flûtes à bec et les orgues à tuyaux sont des exemples de flûtes fermées.
- Les instruments à anche simple placent l'anche sur l'instrument où elle est soufflée. Lorsqu'elle est soufflée, l'anche fait vibrer l'air à l'intérieur de l'instrument pour produire un son. La clarinette et le saxophone sont des exemples d'instruments à anche simple (bien que le corps du saxophone soit en laiton, le saxophone est toujours considéré comme un instrument à vent car il utilise une anche pour produire le son).
- Les instruments de musique à double anches utilisent deux anches qui sont enroulées à l'extrémité de l'instrument. Des instruments tels que le hautbois et le basson placent les deux anches directement sur les lèvres du souffleur, tandis que des instruments tels que le cromhorn et la cornemuse couvrent les anches.
Étape 3. Soufflez sur un cuivre avec les lèvres fermées pour produire un son
Contrairement aux flûtes, qui dépendent du flux d'air, les cuivres vibrent avec les lèvres du souffleur pour produire du son. Les instruments de musique en laiton sont ainsi nommés parce que beaucoup d'entre eux sont en laiton. Ces instruments sont regroupés en fonction de leur capacité à modifier le son en modifiant la distance à travers laquelle l'air s'écoule. Cela se fait à l'aide de deux méthodes.
- Trombon utilise un entonnoir pour modifier la distance du flux d'air. Tirer l'embout buccal allongera la distance et abaissera le ton. Pendant ce temps, rapprocher la distance augmentera le ton.
- D'autres cuivres, tels que les trompettes et les tubas, utilisent des valves en forme de pistons ou de clés pour allonger ou raccourcir le flux d'air à l'intérieur de l'instrument. Ces valves peuvent être pressées individuellement ou en combinaison pour produire le son souhaité.
- Les flûtes et les cuivres sont souvent considérés comme des instruments à vent, car ils doivent être soufflés pour produire du son.
Étape 4. Faites vibrer les cordes d'un instrument à cordes pour produire un son
Les cordes d'un instrument à cordes peuvent vibrer de trois manières: pincées (à la guitare), frappées (comme dans le dulcimer) ou grattées (en utilisant l'archet du violon ou du violoncelle). Les instruments à cordes peuvent être utilisés pour accompagner un rythme ou une mélodie et peuvent être divisés en trois catégories:
- La harpe est un instrument à cordes avec un corps et un manche qui résonnent, comme c'est le cas des violons, des guitares et des banjos. Il existe des cordes de même taille (à l'exception des cordes graves du banjo à cinq cordes) d'épaisseurs différentes. Des cordes plus épaisses produisent des notes plus basses, tandis que des cordes plus fines produisent des notes plus hautes. Les cordes peuvent être étranglées en plusieurs points pour élever ou abaisser la hauteur.
- La harpe est un instrument à cordes dont les cordes sont attachées à un squelette. Les cordes de la harpe sont dans l'ordre vertical et se raccourcissent à chaque succession. Le bas de la corde de harpe est relié au corps résonant ou à la table d'harmonie.
- Le sitar est un instrument à cordes monté sur le corps. Les cordes peuvent être frappées ou pincées, comme sur une harpe, ou frappées directement comme sur un dulcimer martelé, ou indirectement comme sur un piano.
Suggestion
- Les gammes majeures et mineures naturelles sont liées par le fait que la gamme mineure de deux notes clés est inférieure à la gamme majeure, ce qui aiguisera ou aplatira les mêmes notes. Ainsi, les tonalités de do majeur et de la mineur, qui n'utilisent pas de notes dièse/bémol, partagent les mêmes caractéristiques de tonalité.
- Certains instruments de musique et combinaisons d'autres instruments de musique sont associés à certains types de musique. Par exemple, un quatuor à cordes avec deux violons, un alto et un violoncelle est généralement utilisé pour jouer de la musique classique appelée musique de chambre. Les groupes de jazz produisent généralement des rythmes à la batterie, au piano, éventuellement à deux basses ou à un tuba, et à la trompette, au trombone, à la clarinette et au saxophone. Jouer quelques chansons avec des instruments utilisés différemment de ce qu'ils devraient être peut être amusant, tout comme « Weird Al » Yankovic. Il joue ses chansons rock en utilisant l'accordéon dans un style polka.
